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Se muestran los artículos pertenecientes a Diciembre de 2008.

- A GAITA GALEGA - (La Gaita Gellega) -

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Acabo de ver un estupendo reportaje sobre la GAITA GALLEGA de Afrodita (entrañable compañera y amiga en badoo.com), y como gallego que soy, no puedo dejar pasar la oportunidad de indagar sobre este instrumento que tanto nos identifica a los gallegos en todo el mundo, incluyo aquí unos enlaces a unos videos, uno sobre los famosísimos GAITEIROS DE SOTUELO DE MONTES (Pontevedra), tocando la no menos famosa y popular melodía titulada A MUIÑEIRA DE CHANTADA (Lugo), de ellos precisamente aparece más abajo su historia; otro de Susana Seivane en una mezcla de varios instrumentos, y aunque es largo, vale la pena mucho verlo y más escucharlo, ella actua de la mitad hacia el final, más o menos, así que paciencia; otro de la misma Susana Seivane en Francia en un festival de música celta, en donde se puede apreciar su particular forma de lograr los diversos sonidos de la gaita gallega, a lo largo de varias interpretaciones; otro de Carlos Nuñez interpretando El Bolero de Ravel; otro con José Manuel Budiño - Cristina Pato - y Lelía  (todos juntos en el tejado de la Catedral de Santiago)  de ahí el mal sonido que a veces se escucha; y por último los gaiteiros de Treixadura con su ya conocido y popular orfeón. 

Y a continuación más sobre la GAITA GALLEGA y su historia...

Si por algún instrumento se nos conoce fuera de nuestros galaicos horizontes, sin ningún género de dudas uno destaca incuestionablemente, y estará ligado a nuestra tierra hasta el fin de los días: la Gaita Gallega. Sin menospreciar a nuestros vecinos asturianos, que conservan muchas similitudes y tradiciones muy parejas, la nuestra siempre ha sido estandarte de nuestra cultura a lo largo de la historia.

Como la asturiana (ambas son muy similares físicamente), consta de un puntero (parecido al de tipica flauta, para tocar en abierto), el fuelle (en gallego, fol como se denomina por estas tierras) donde se almacena el aire responsable del sonido tan característico de la gaita, el roncón - el tubo que va apoyado sobre el hombro del gaitero, formado a su vez por la tercia, la segunda y la prima-, el ronquete -el otro tubo, que se apoya sobre el antebrazo derecho, y que lo componen la copa y la prima-, y el ronquillo, que sale del fol paralelo al ronquete y está formado por una única pieza.

Cada una de estas partes se distinguen por su sonido, ya que en cada caso se le atribuye una nota y tonos diferentes que ayudan a afinar el instrumento al propio gaiteiro (por comparación entre unos y otros, se puede sintonizar el conjunto instrumental entero).

La materia prima de la gaita puede ser de varias maderas, aunque por lo general es de Boj Gallego o incluso de Cerezo (en la actualidad se apuesta por materiales sintéticos como el polipenco, similar al pvc negro). Para darle la forma a la gaita, se hace indispensable un buen torno, antaño de pedal con el que los artesanos solían valerse (hoy en día la precisión industrial ha facilitado sobremanera este trabajo al usar tornos eléctricos).

Los fuelles se hacen de piel de becerro cosido, o de cabrito, o incluso de látex o Gore-tex, tan socorrido para las botas y equipamiento de alpinismo por permitir filtrar la humedad hacia afuera e impedir que se vaya el aire al mismo tiempo. Y por si todo esto fuese poco, se le cosen y elaboran vestidos para engalanar todavía más este preciado instrumento, generalmente hechos artesanalmente a través de los que han aprendido el oficio heredándolo de sus antepasados.

Y las partes más indispensables: la lengüeta del roncón y la pita del puntero, hechos con tubo de caña. En el lateral del tubo de caña, se hace un corte para formar una lámina de unos 5 mm de ancho y unos 60 mm de longitud, que se levanta un pelín para formar la lengüeta de vibración. La pita del puntero se hace cortando una lámina de la pared de la caña, de unos 50 mm de longitud y 6 mm de ancho, que tras un proceso complejo finalmente nos permitirá regular la curvatura de los bordes de la bilengüeta. Para terminar se preparan y afinan los labios de la pita, lijándolos y recortándolos hasta que de el tono adecuado al puntero.

No podemos dejar nunca de admirar a estos grandes ingenieros de nuestra tradición musical, responsables indirectos del sonido que más morriña nos provoca cuando estamos lejos de nuestra tierra, y que relacionamos con nuestros momentos más distendidos durante las numerosas romerías y fiestas gastronómicas.

                                         

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HOMENAJE A UN MITO GALLEGO... "OS GAITEIROS DE SOUTELO": "Os Gaiteiros de Soutelo" fueron un grupo folclórico gallego del primero tercio del siglo XX. El iniciador de esta saga de músicos populares originarios de Soutelo de Montes ( Pontevedra ) fue el padre de los gaiteros que, junto a sus hijos, solía amenizar los días grandes de las fiestas de la época, ya que era un grupo inusualmente grande y que ya contaba con una gran popularidad en aquella tierra de Montes. Introducía otras novedades; incorporaba una mujer como cantante, la hermana. (La presencia de una mujer en los grupos musicales no era habitual allá por el 1925). Los componentes eran Avelino Cachafeiro director, compositor y el alma del grupo, sus hermanos Castor (gaita) y Bautista (voz y redobrante), su padre Fermín (bombo) y su tía Andrea, que algunas veces se juntaba a ellos para tocar el pandeiro. En 1928 grabaron "A Muiñeira de Chantada" ( esta misma grabación la empleó como fondo sonoro del documento ) "Viva Barriño de Arén", "Eicho de dar queridiña", "Fiesta de Luxán", "Fiesta Rianxeira", "Estroupele-Estroupele", "Farruquiña llaman a la puerta",  la "Muiñeira de Ourense", y el pasacorredoiras "A vuelta de la fiesta". Uno de los hechos más importantes fue su presentación en el "Teatro Avenida" de Buenos Aires ( Argentina ) el 28 de febrero de 1930, donde actuaron con decorados diseñados por Castelao y Camilo Díaz. Os Gaiteiros de Soutelo recorrieron toda Galicia, así como Buenos Aires, Montevideo y Brasil, hasta que el comienzo de la Guerra Civil española deshizo el grupo; los sorprendió tocando en Barcelona, en territorio republicano, mientras Galicia quedaba en el nacional. La Cultural Obrera los llevó a Madrid para dar ánimos a las tropas que allí luchaban, y cuando se dirigían a Berlín para tocar en los Juegos Olímpicos, decidieron volver a la casa por Lisboa. Así remató el grupo. Bautista había muerto en el 1933, Castor emigró a Venezuela, donde enseñó a tocar en la Escuela de Gaitas de la "Hermandad Gallega de Caracas" y Avelino, cual único hijo murió al nacer, dejó de tocar la gaita.

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http://www.youtube.com/watch?v=lUxd_oimyZM&hl=esbagad_music

http://www.dailymotion.com/relevance/search/susana+seivane/video/x31cnw_bagad-kemper-feat-susana-seivane-jo

http://www.dailymotion.com/related/x5vm0j/video/x20nss_susana-seivane_music

http://www.youtube.com/watch?v=qlJyT3hwZdE&hl=es

http://www.youtube.com/watch?v=nGdqoAuGf-s&hl=es

http://www.youtube.com/watch?v=VDNWmlKZONo&feature=related 

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Senén Campos Maceiras

A Estrada - 12/12/2.008

 

12/12/2008 01:19. Senén Campos Maceiras #. sin tema No hay comentarios. Comentar.

- A ZANFONA - (La Zanfona) -

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Y para continuar con los instrumentos que más identifican a la música gallega, además de la gaita y algunos otros, un lugar muy destacado lo ocupa  LA ZANFONA, usada por muchos interpretes y grupos actuales de Galicia. Especial mención a un blog. de mi amiga Ana Belén, ya destacada  (a pesar de su juventud)  intérprete precisamente de  LA ZANFONA... http://www.zanfonista.blogspot.com/    ...  y sin más, a continuación la historia de  LA ZANFONA, seguida de unos enlaces a videos con su sonido, de Milladoiro, Amancio Prada, Faustino Santalices, Héctor Braga, y el último de Tino Baz dedicado a una pintora buena amiga mia Ritta Bremer.

Uno de los Instrumentos musicales que más curiosidad suscita entre los aficionados a las músicas tradicionales es LA ZANFONA. Tanto su curioso mecanismo de funcionamiento como su impresionante sonido ha atraído la atención de numerosos interpretes y luthiers, que poco a poco lo van rescatado del olvido en que el tiempo y la moda le sumieron.

No podemos considerar a la  LA ZANFONA  como un instrumento popular en el sentido de otros como la gaita o el rabel. Su complejidad tanto de construcción como de interpretación, la han limitado siempre a determinados colectivos que hacían de ella un uso "profesional". No puede sustituir, por ejemplo, a la gaita o la dulzaina para acompañar danzas, y es demasiado compleja para el uso personal de entretenimiento, sin embargo es muy adecuada para acompañar los romances y canciones de los músicos ambulantes, cuenta-cuentos o juglares.  Su historia pasa por altibajos, desde épocas de gran esplendor, hasta su casi desaparición y su nueva recuperación.

LA ZANFONA  es un instrumento perteneciente a la familia de los cordófonos frotados. Está formado por una caja de resonancia, en cuyo interior se introduce parcialmente una rueda de madera que se hace girar mediante una manivela unida aun eje que la atraviesa por su centro. La parte que sobresale de la tapa, frota a una serie de cuerdas poniéndolas en vibración simultáneamente. Hay dos tipos de cuerdas, las que emiten una sola nota, generalmente mas grave que actúan como bordones, o sonido de acompañamiento, y otras, las cantantes, de las que se obtienen varias notas acortando su longitud mediante la presión de unas pequeñas piezas en forma de hacha, llamadas espadillas. Estas se hayan insertadas sobre un vástago que se desliza al presionar uno de sus extremos a modo de tecla, el número de éstas varía, en LAS ZANFONAS  actuales, pueden llegar a 23, colocadas en dos hileras, una para la escala natural y otra para las alteraciones, obteniendo así dos octavas completas. La caja de resonancia se construye de madera, normalmente blanda y fibrosa, al igual que otros cordófonos; abeto, arce, ciprés..., en la actualidad se usan también maderas importadas de excelentes cualidades. La rueda, debido a que su perfil debe de estar muy pulido, ha de construirse de una madera dura y con poca veta, además de su resistente a deformaciones, cosa prácticamente imposible, ya que los cambios de humedad y temperatura del ambiente provocan alteraciones perimetrales, que al tocar, producen un sonido muy desagradable. En la actualidad, este defecto se mitiga empleando laminas de madera superpuestas y encoladas en capas, variando la dirección de la veta en cada lámina, o bien utilizando otros materiales como P.V.C o Metacrilato. El perfil de la rueda se impregna con resina pulverizada (antiguamente se usaba también pez) de forma semejante a los arcos de los violines. Algunas ZANFONAS  antiguas presentan una tira de piel recubriendo el borde, quizás para conseguir mas suavidad y amortiguar las irregularidades. Las cuerdas se fijan al instrumento mediante un cordal y un clavijero; reposan sobre un puente y pasan rozando a la rueda, punto en el que se le coloca un pequeño trozo de algodón o lana para aumentar la suavidad en la fricción. Las cantantes son de tripa, los bordones pueden ser de tripa o entorchadas; es muy importante la presión de las cuerdas sobre la rueda, debe de ser baja, para que ésta se deslice con suavidad, pero suficiente para que entren en vibración produciendo el sonido agradable y propio de éste instrumento.

LAS ZANFONAS  encontradas en nuestra península, suelen tener dos o tres cuerdas cantantes y dos bordones, las primeras se pulsan simultáneamente mediante un número igual de espadillas colocadas en la misma tecla. La afinación más corriente, que no quiere decir que sea la única es SOL, D0; SOL (bajo); y los bordones Sol (bajo), Do(bajo).

Modelos procedentes de otros países, pueden presentar un numero mayor de bordones, hasta seis, incluyendo uno llamado trompeta. que se apoya sobre un puente colocado de tal forma que vibra contra la tapa produciendo un sonido característico.

 Este instrumento lo podemos encontrar en la mayoría de los países Europeos en distintos grados de implantación. En algunos han desaparecido, pero existen pruebas documentales de su existencia. Parece que se originó a partir de un instrumento empleado para acompañar la música sacra en el interior de Conventos y Templos llamado Organistrum y que podía alcanzar mas de metro y medio de longitud, era tañido por dos personas, uno movía la rueda y otro manipulaba las varillas que actuaban sobre las cuerdas, tal y como puede verse en numerosas esculturas románicas : Colegiata de Toro, Catedral de Santiago, Iglesia de Pineda de la Sierra (Burgos), y muchas mas. No existen representaciones anteriores al siglo XII, pero algunos musicólogos, como Curt Sach, máxima autoridad en Organología o ciencia de los Instrumentos Musicales, opinan que ya existía en el siglo X, basándose en una obra atribuida al Abad Odon de Cluny, sobre la construcción de dicho instrumento. Sin embargo otros autores ponen en duda tal afirmación, pues a dicho Abad se le han atribuido numerosos textos de épocas posteriores.

Recientemente se han reconstruido diversos ejemplares de Organistrum, cabe mencionar los realizados durante la reproducción de los instrumentos del Pórtico de la Gloria. Las cuerdas, al ser mas largas, producen un sonido grave y profundo, muy adecuado para el acompañamiento de los coros. Probablemente por la introducción del órgano, pasó de los ambientes sacros a civiles, teniendo que disminuir su tamaño para hacerse mas manejable. Faustino Santalices, de quien mas adelante hablaremos, en su librillo "La Zanfona" nos habla del autor Eximeno quien en su obra "Del Origen y Reglas de la Música" se refiere al monje italiano Guido D’arezo, como el "inventor" de  LA ZANFONA  a partir del Organistrum reduciendo su tamaño y empleándola para introducir la actual escala cromática, partiendo de Sol, y con dos octavas de extensión ( como en la actualidad). LA ZANFONA, más manejable, es utilizada por músicos de corte, sola o en pequeños grupos con otros instrumentos hasta el siglo XV en que deja de ser empleada en conjuntos, al ser sustituida por otros instrumentos como fídulas, arpas, etc. ( En el siglo XVI se representa en manos de ángeles, lo que indica que se le considera ya un instrumento arcaico), pero se mantiene en manos de juglares y cantantes ambulantes. Su sonido polifónico y no excesivamente intenso es ideal para acompañamiento de canciones y romances ya que puede ser tañida por la misma persona que canta. Muchos de éstos juglares nómadas en ocasiones viajaban en compañía de otros cómicos y artistas, que actuaban no sólo ante los señores del lugar, también para el pueblo llano en mercados y tabernas. Con el paso del tiempo, en el siglo XVII, ya sólo se le podía escuchar en éstos ambientes populares. Cabe pensar que debido la complejidad de mantenimiento del instrumento, su sonido no siempre era tan agradable como el que podemos escuchar hoy; la rueda se descentra, las cuerdas de tripa, hechas a mano y a veces por el mismo intérprete no eran homogéneas, debido a ello era normal que se dejase tan sólo una cuerda cantante, y uno o dos roncones, suficiente para un acompañamiento eficaz ante un público no muy exigente.

Quizás el colectivo más amplio de Usuarios de  ZANFONA  fuesen los ciegos. Históricamente, en diversos reinos de España han disfrutado de algunas prebendas o derechos, como la de vender pliegos con canciones y romances que ellos mismos interpretaban por las diferentes localidades. En ocasión tomaban aprendices, también invidentes, mediante contrato legal, como el establecido entre el labrador Juan Diego y el ciego Pedro de Coiro en Betanzos (Coruña), por la que el segundo se comprometía a llevar con él y enseñar al hijo del primero, a tocar   LA ZANFONA  en el plazo de 3 años, a cambio de 6 ducados mensuales, siempre que el aprendiz estuviese provisto de  ZANFONA  "que toque", ropa y criado durante el tiempo que durase el aprendizaje (Juan Bautista Varela de la Vega...  Anotaciones Históricas sobre  LA ZANFONA, Revista de Folclore Nº  0.  tomado de Pérez Constanti notas viejas Galicianas). A juzgar por la inversión, el oficio debía proporcionar ingresos considerables, al menos para un minusvaloro del siglo XVI. Fue en el siglo XVIII cuando  LA ZANFONA  resurge  poderosamente, especialmente en la corte francesa de Luis XV., y por ser ésta la referencia de la moda en el resto de Europa. La aristocracia ociosa, buscando formas de entretenimiento, vuelve su vista hacia las costumbres tradicionales, la música y los instrumentos populares. Se disfrazan de pastores y campesinos, imitan sus formas de vida en fiestas y obras de teatro; vuelven a tocar la cornamusa, y LA ZONFONA. Los luthiers fabrican nuevos instrumentos, perfeccionándolos y cargándolos de ricas y exuberantes decoraciones según el gusto de la época; tal fue el auge que muchos luthers utilizaron cajas de resonancia de antiguos laúdes (ahora es éste instrumento el que cae en desuso) para hacer zanfonas; de ahí las cajas curvas de algunos modelos franceses, lo mismo ocurrió con vihuelas y guitarras. Se escriben conciertos, se imparte clases en las escuelas de música de alta sociedad. Fue muy conocido el compositor, tratadista y maestro Michel Corette, autor del método "La belle Villeuese" para  ZANFONA. Compuso varios conciertos e impartió clases del instrumento; aunque sus alumnos aprendían lentamente, tanto que hubo quién les denominó "Los Burros de Corette".

En el Siglo XX los violines, violas y otros instrumentos de gran calidad imponen su supremacía y  LA ZANFONA  vuelve de nuevo a manos populares. En Francia, especialmente, se arraiga ampliamente en su folclore. En otros piases, como España retorna a los músicos ambulantes y algunas parcelas de la música Popular. En la primera mitad de este siglo, algunos periodistas y literatos se ocuparon de  LA ZANFONA  en sus escritos, como el vigués Jaime Solá. Pero es al constructor de Instrumentos y musicólogo (además de abogado) Faustino Santalices a quien debemos el nuevo resurgir de éste instrumento; a partir de instrumentos antiguos reconstruye algunos modelos de  ZANFONA volviéndola a hacer sonar (lo que le supuso el Primer premio Internacional de Instrumentos antiguos en 1949); su labor fue continuada hasta hoy por su hijo Faustino y el Taller Escuela de la Diputación de Lugo, al que donó sus plantillas, dirigido por Jesús Pérez y su hijo Luciano que aún continúa en dicha actividad. Hoy existen excelentes constructores de  ZANFONAS, además del ya citado taller, Jesús Reolid o Sedó son claros ejemplos.

Diversos músicos y grupos emplearon y aún emplean este instrumento en sus grabaciones y actuaciones: Joaquín Díaz, Emilio Cao, Amancio Prada, Milladoiro, Rafa Martín, Germán Díaz. En la actualidad son numerosos los grupos que la utilizan, lo que está propiciando un gran auge. Se ha creado incluso  "La Sociedad Ibérica de la Zanfona"  que organiza cursos de aprendizaje y perfeccionamiento, y se encarga de divulgar el instrumento; pero quizás sea su elevado precio, debido a la complejidad y laboriosidad de su construcción, el único obstáculo para que muchos músicos aficionados se decanten por ella.

http://www.youtube.com/watch?v=yE4bVrU-zOo&feature=related

http://www.youtube.com/watch?v=HLfDoxPOLTE&feature=related

http://www.youtube.com/watch?v=nbPjSVa2YtM  

http://www.youtube.com/watch?v=6H11BKUh4ug&feature=related

http://es.youtube.com/watch?v=cuSxBG_BfGQ


POSDATA:  La fotografía de la portada es de  PACO DÍEZ  intérprete nacido en Valladolid, con trece discos ya en su haber... 

http://www.mundofolk.com/public/porgrupo.asp?grupo=173 

 

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SENÉN CAMPOS MACERIAS

A ESTRADA - 17/12/2.008

 

 

 

 

17/12/2008 17:16. Senén Campos Maceiras #. sin tema Hay 2 comentarios.

- E L V I O L Í N -

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En esta oportunidad voy a discernir sobre uno de mis instrumentos musicales preferidos...  EL VIOLÍN ,  y no se podría hablar de  VIOLINES ,  sin hacerlo del mejor de los fabricantes de este instrumento...   ANTONIO STRADIVARIUS.  Tampoco sería bueno dejar atrás a uno de los mejores compositores de música para  VIOLÍN ,  y desde luego a su mejor intérprete, tanto que sus sublimes formas de tocarlo, han hecho decir a sus enemigos, que eran fruto de un pacto con el diablo, me refiero como no podía ser menos a...  NICCOLO PAGANINI.

Al final de esta más o menos extensa exposición, cito como siempre unos enlaces a unos videos, que no hacen sinó certificar lo que acabo de afirmar...  la excelencia del sonido de estos instrumentos, su fabricación, su bonita historia, y el amplio uso que de ellos se ha hecho desde siempre, en la interpretación y ejecución de todo tipo de músicas.

 

 - EL VIOLÍN -

 Antecedentes
El instrumento musical denominado  VIOLÍN  pertenece a los instrumentos de cuerda y, dentro de este género, pertenece a los de cuerda frotada. Se lo llama de esta manera pues las cuerdas generan su sonido al recibir la fricción de un arco que contiene un manojo de fibras de pelos de caballo. Estas fibras reciben la tensión del mismo arco y, al frotarse sobre las cuerdas del violín, logran generar un sonido muy particular.

 Características
En principio posee tan solo cuatro cuerdas y es el representante de registro más agudo de entre todos los existentes en esta familia de cordófonos. Entre sus partes, posee un mango donde se deslizan las cuerdas pero, a diferencia de la guitarra, allí no posee trastes para formar las notas sino que el mismo es completamente liso.

Las maderas constitutivas
Recuerda antes de tocar el  VIOLÍN ,  o de aprender la técnica de la mano derecha o del uso del cuarto dedo, que al ser un instrumento de madera, la calidad y variedad de las mismas es esencial para la calidad de su sonido. Se utilizan, entre otras, el arce para el fondo, el abeto para la tapa y algunas otras variedades de componentes más duros para el resto de las secciones.

Su sonido
Siendo su sonido tan agudo y personal, este instrumento forma parte habitual de las orquestas sinfónicas clásicas en los conciertos para  VIOLÍN .  También participa de cuartetos o quintetos de cuerdas y es muy usado en otros rubros musicales como el tango, la música country americana y por algunas bandas de jazz.

 Algunos datos adicionales
En base a la historia del  VIOLÍN ,  podemos decir que está formado por cuatro cuerdas, que van desde la cola de madera hasta el clavijero, pasando por un puente que las sostiene. Aquí tienes un instructivo para afinar el  VIOLÍN .  El cuerpo del  VIOLÍN  consta de dos tablas armónicas. La superior, llamada tapa, soporta el puente que acopla las cuerdas a la tabla armónica. Sobre la tabla inferior o fondo, se apoya un pequeño palillo denominado “alma” que es el que transmite las vibraciones de la tapa hacia el fondo del violín. El resonador del violín está formado por la caja armónica, junto con el aire exterior que ingresa a ésta por los dos agujeros superiores. En un buen  VIOLÍN ,  las frecuencias resonantes de la caja armónica están uniformemente distribuidas sobre el rango de una frecuencia más baja. La frecuencia de las cuerdas se controla ajustando la longitud de las cuerdas y presionándolas contra el diapasón. La ausencia de trastes hace posible conseguir cualquier frecuencia sin un rango determinado, lo que contrasta con las frecuencias delimitadas de los instrumentos trasteados. El arco está formado por pelo de caballo tensado entre los dos extremos de una delgada varilla de madera. El alza movible del arco se conecta a un tornillo lo cual hace posible modificar la tensión de las cerdas. El pelo de caballo debe ser frotado con resina para incrementar la fricción entre el arco y las cuerdas. Las cuerdas se mantienen en un estado constante de vibración al deslizar el arco sobre éstas. La acción es la siguiente: cuando el arco se desliza sobre la cuerda, éste las pone a vibrar por fricción. Las cuatro cuerdas del violín se afinan en Sol3, Re4, La4 y Mi5. La longitud de la cuerda, y por lo tanto, la frecuencia resonante varía al presionar la cuerda contra el diapasón. El rango de frecuencia de la fundamental en el violín está por encima de las cuatro octavas. La sordina es un clip con ranuras que puede ser colocado sobre el puente del violín; ésta reduce considerablemente el sonido producido por el instrumento y decrece las amplitudes de los tonos en relación a la fundamental. La medida estándar del violín es 23 pulgadas y media. Y la del arco aproximadamente 30 pulgadas. Tanto el violín como los demás instrumentos de su familia (la viola, el violonchelo y el contrabajo) pueden también tocarse mediante la técnica de punteo con los dedos. El término que recibe en este tipo de instrumentos dicha técnica es  “pizzicato”.

 

 - STRADIVARIUS: EL SECRETO -

 LOS VIOLINES STRADIVARIUS  son los más preciados instrumentos musicales del mundo. Entre los cerca de 600 ejemplares que aun se conservan hay algunos valorados en más de un millón y medio de euros, es decir, más de cien veces de lo que costaría el más perfecto ejemplar artesano moderno y más de diez mil veces que los procedentes de fabricaciones industrializadas. ¿Refleja la diferencia de precios la diferencia de calidad?. ¿Cuál fue el secreto de Antonio Stradivarius para fabricar sus maravillosos violines?. ¿Nos podría aclarar la Ciencia en qué consistía, de existir, tal secreto?. ¿Podría igualarse, con un violín fabricado actualmente la calidad tonal de un Stradivarius?. Vamos a intentar responder a algunos de estos interrogantes.

STRADIVARIUS  

El VIOLÍN  que en el pasado no gozó de una gran reputación, surgió en el Norte de Italia hacia 1550 y se utilizaba para acompañar danzas o para doblar a las voces en la música polifónica. No fue hasta el siglo XVII y comienzos del XVIII cuando el arte de la construcción del violín alcanzó sus cotas más altas en los talleres familiares de los italianos Stradivarius, Amati y Guarneri, y del austriaco Stainer. Comparado con los modelos modernos, el  VIOLÍN  antiguo poseía un mango más grueso, menos inclinado hacia atrás, un diapasón más corto, un puente más bajo y cuerdas hechas solo de tripa. Esas características constructivas fueron modificadas en los siglos XVIII y XIX para producir un sonido más fuerte y brillante, aunque diversos violinistas del siglo XX han restaurado y empleado instrumentos del siglo XVIII por considerarlos más adecuados para interpretar la música antigua. En cualquier caso, fue Antonio Stradivarius (1644-1737), nacido en Cremona, quien llevó su oficio de constructor de instrumentos, en especial de violines, a su máxima perfección, siendo sus mejores obras los ejemplares construidos entre 1700 y 1725. La creencia popular piensa que existía un secreto cuya transmisión familiar se quebró a comienzos del siglo XIX. Podemos considerar que cada  VIOLÍN ,  desde el más preciado Stradivarius al más plebeyo producto industrial, posee una "voz" propia. Una persona cultivada musicalmente es capaz de distinguir entre Plácido Domingo y Pavarotti cuando cantan la misma pieza operística. Algo semejante es aplicable a los diferentes violines. En los últimos 150 años numerosos científicos, entre ellos físicos tan famosos como Helmholtz, Savart, o el Nobel hindú Chandrasekhara Raman han intentado conocer las bases científicas de esas diferencias en las cualidades y características de los sonidos.

FACTORES

Un problema inicial es que, todavía, el mejor instrumento científico de detección de un sonido es el oído, y que el cerebro sigue siendo también un analizador más sofisticado de los sonidos complejos que cualquier instrumento científico. Esta situación necesariamente introduce unos claros problemas de objetividad y cuantificación. Una de las personas que mejor ha resumido los aspectos científicos relacionados con la calidad de los violines es Colin Gough, investigador de la School of Physics and Astronomy de la Universidad de Birmingham, en Gran Bretaña. En abril del año 2000 escribió al respecto un artículo muy documentado titulado  "Science and Stradivarius" ,  que fue merecedor de recibir el Premio anual de artículos científicos del año 2000, para profesionales en acústica, instituido por la Acoustic Society of America. Partiendo de las particularidades de la Física de la excitación de la cuerda de un  VIOLÍN ,  extensivamente estudiadas por Michael McIntyre y Jim Woodhouse de la Universidad de Cambridge, en el artículo mencionado, el Dr. Gough analiza la forma en que un  VIOLÍN  funciona, las características físicas de los sonidos, sus frecuencias, las resonancias o armónicos, la relación con los más mínimos detalles de los variados componentes de la geometría del instrumento, la tensión de las cuerdas, la producción de las así llamadas ondas de Helmholtz, como se extiende el sonido, etcétera. Otra parte del artículo se dedica a las características de los materiales utilizados, especialmente la madera, su tratamiento en remojo, su envejecimiento, su humedecimiento interno, el ajuste de cada componente y, la discusión sobre el papel que juega el barniz sobre la calidad del instrumento. Para el Dr. Gough las investigaciones realizadas por microscopía electrónica y fotografía ultravioleta descartan la existencia de un secreto en la composición del barniz, por lo que opina que la Ciencia no ha encontrado todavía una propiedad medible que sirva para diferenciar   LOS VIOLINES DE CREMONA  de los hechos por expertos artesanos actuales.

EL BARNIZ

No opina así el Dr. Joseph Nagyvary, un químico húngaro, que se formó con los Premios Nobel Paul Karrer (Suiza) y Alexander Todd (Gran Bretaña) antes de su traslado a Estados Unidos, donde, desde 1968 es catedrático de Bioquímica y Biofísica en la Universidad de Texas. Su interés por los violines comenzó en su juventud, en Zurich, cuando sus primeras prácticas las realizó en un  VIOLÍN que había pertenecido a Albert Einstein. Sus ideas las ha expuesto, desde los 60, en diversas publicaciones y en 120 conferencias auspiciadas por la American Chemical Society. La observación inicial fue la de los terribles efectos de las termitas sobre muebles e instrumentos musicales en el Norte de Italia mientras que los Stradivarius no solían sufrir estos daños. Ello le llevó a la búsqueda de las posibles sustancias insecticidas usadas en el pasado con efectos acústicos, lo que le condujo a: 1) el bórax, insecticida, polimerizante y endurecedor de la madera lo que produce que el sonido sea más brillante; 2) fungicidas como la resina gomosa de los árboles frutales; 3) polvo de vidrio triturado, usado como antitermita. El  "secreto" ,  para Nagyvary, radica en unos violines perfectamente construidos, usando maderas con un tratamiento previo prolongado remojante que facilita la apertura de sus poros y, de forma fundamental, en el tratamiento final de la madera con una mezcla equilibrada y adecuada de las tres sustancias anteriormente citadas. Nagyvary, está reproduciendo estos procedimientos para fabricar violines que comercializa y, como prueba de su acierto aduce que en diversas audiciones realizadas por especialistas y virtuosos, éstos no han logrado distinguir entre un  VIOLÍN STRADIVARIUS  y un  VIOLÍN  NAGYVARY.  Una de las últimas pruebas ha sido la grabación de un CD comercial en el que la excelente violinista Zina Schiff usa uno u otro tipo de  VIOLÍN  para interpretar, entre otras, piezas de Bach y Stravinsky. Cuando 20 especialistas escucharon el CD e intentaron distinguir el instrumento usado en cada caso, el porcentaje de fallos y aciertos fue similar, el 50%, es decir, el correspondiente al mero azar. Si el amable lector desea hacer de experto musical puede encontrar muestras de las grabaciones correspondientes en  http://www.nagyvaryviolins.com/    Como modelo de las opiniones favorables a las ideas del profesor Nagyvary se puede citar la del Dr. Pavlath, presidente de la American Chemical Society (ACS): "Él ha sido el pionero del paradigma químico en la manufactura de violines. Muchos de nosotros hemos sido persuadidos por él de que el Santo grial de la manufactura de violines hay que hallarlo en la química de los materiales…". Y el virtuoso violinista Isaac Stern opina:  "El conocimiento del Dr. Nagyvary sobre la calidad tonal de los grandes violines así como sobre sus métodos de construcción hace que su trabajo tenga hoy un valor especial para nosotros".

 

 - PAGANINI, EL VIOLINISTA DIABÓLICO -

 El 27 de octubre de 1782 nació en Génova una de las figuras más emblemáticas de la música clásica, se trataba de Niccolo Paganini. Su singular personalidad, su especial talento musical y la leyenda que giró en torno a su figura han sido el origen de, al menos, 30 estudios biográficos. La leyenda empieza a los 5 años, parece ser que en una de las ensoñaciones de su madre aparece el demonio y le comunica que su hijo Niccolo será un famoso violinista, a partir de ese momento su padre le obligó a practicar diariamente al menos 10 horas. Fue un niño prodigio, su padre le envió al maestro Alessandro Rolla para que le enseñara el arte musical, pero éste, tras escuchar un concierto del pequeño, no pudo por menos que decirle:  “... no tengo nada que enseñarte”.  A los 41 años dio un concierto en La Scala, que siguió de once más durante las seis semanas siguientes, viajó por gran número de ciudades europeas ofreciendo numerosos conciertos; cuando su fama alcanzó la cima, incrementó sus honorarios en cuatro o cinco veces, lo cual le generó una fama de avaro, que no es del todo exacta, pues en cierta ocasión extendió un cheque a Berlioz, a quien acababa de conocer, por valor de veinte mil francos, para ayudarle a salir de su penuria económica. A pesar de la gran fortuna que consiguió amasar en pocos años, continuó vistiendo con pantalones negros y abrigos largos y deshilachados, lo cual dio origen a un perfil inconfundible. Era tan extraordinaria su habilidad con el  VIOLÍN  que corría la leyenda que la había alcanzado por medios no naturales, se rumoreaba que en cierta ocasión había matado a un rival, siendo condenado por ello a presidio y que allí había vendido su alma al diablo a cambio de conseguir estas dotes tan portentosas. Esta leyenda guarda un gran paralelismo con Mefistófeles, uno de los personajes de Fausto, creación del genial Goethe. Otra leyenda afirmaba que hallándose encarcelado, por haber matado a su amante, interpretó bellas composiciones en su celda con tan sólo una cuerda de su  “Guarneri” ,  por habérsele roto las tres restantes, complejos fragmentos violinísticos. A pesar de ser  “feo, descuidado y trasudado” ,  como lo describe uno de los críticos de la época, su fuerte personalidad atrajo a numerosas damas, entre sus amantes figuran Paulina y Elisa, las hermanas del emperador Napoleón Bonaparte, y bailarinas como Antonia Bianchi, que fue madre de su hijo Aquiles. Su dedicación musical llevó siempre pareja su vida pendenciera y alocada y una afición por el juego que rozaba la ludopatía, se cuenta que en varias ocasiones llegó a apostar su preciado  VIOLÍN .  Pocos músicos han causado tanto furor en su vida y han llevado a cabo un dominio de la técnica como lo hizo Paganini, a ello contribuyó enormemente su gran flexibilidad articular, el Dr. Bennati lo atendió durante años e informó de algunos detalles de gran interés:  “... su mano tiene una gran elasticidad, al igual que su hombro y su codo...”   observó que cuando tocaba su codo cruzaba por encima del otro codo; la flexibilidad de Paganini era tan grande que la uña del dedo pulgar llegaba a tocar el dorso de su mano, esta hiperlaxitud le permitía tocar tres octavas con poco esfuerzo. Se sabe que voluntariamente podía flexionar lateralmente la articulación de sus falanges distales; en varias ocasiones fue preguntado acerca de su mágico secreto, a lo cual el genial compositor siempre respondía que lo revelaría cuando se retirara, desgraciadamente se llevó tan codiciado secreto con él, sin duda sus prodigiosas dotes interpretativas se debieron a un trastorno del tejido conectivo como ahora veremos. Sus contemporáneos lo describen como un ser cadavérico, de ojos negros, piel blanca como la cera, pelo largo y negro, nariz prominente y estatura media; la coloración de la piel adoptaría, algunos años después, un tinte gris plateado, debido al tratamiento mercurial que recibió para la sífilis. Dicho tratamiento también fue el responsable de la pérdida de las piezas dentarias y de las molestias estomacales que acompañaron al compositor a lo largo de sus últimos años. El síndrome de Marfan es el trastorno más frecuente del tejido conectivo, caracterizado por una alteración del metabolismo del colágeno, entre sus manifestaciones musculoesqueléticas se encuentran la aracnodactilia, la desproporción esquelética y una elevada estatura. Como ya hemos citado, Paganini era de estatura mediana, en cuanto a la aracnodactilia, en el Museo del Conservatorio de París se guarda un molde de la mano de Paganini, el cual es de forma y dimensiones normales, su dedo índice mide 10.1 cm y su dedo pulgar, en extensión, 6.7 cm. Estos hechos hacen poco probable que el compositor sufriera una enfermedad de Marfan. El síndrome de Ehlers-Danlos se caracteriza por existir laxitud e hipermovilidad articular, con mayor capacidad de estiramiento, características que poseía Paganini. Este síndrome comprende, al menos, 11 tipos diferentes, dado que Paganini vivió durante 58 años, es poco probable que presentase el tipo IV, caracterizado por acortamiento de la longevidad y por presentar menor extensibilidad. Probablemente el músico italiano sufrió un tipo III, caracterizado por ser benigno y porque la gran laxitud articular no se suele acompañar de excesivas deformidades esqueléticas. De forma gradual fue perdiendo su voz y permaneció afónico durante los dos últimos años de su vida, entre los diagnósticos diferenciales se barajan la laringitis tuberculosa y la lesión del nervio recurrente secundaria a un aneurisma aórtico; en cualquier caso, falleció en Niza el 27 de mayo de 1840. La fama de endemoniado persiguió a Paganini hasta la muerte, pues el obispo de Niza le negó sepultura eclesiástica, al haberse negado a recibir la Extremaunción los días previos a su fallecimiento por pensar que todavía no había llegado su hora. Su cuerpo fue embalsamado durante dos largos meses y posteriormente, por espacio de un año, fue depositado en el sótano de la casa de su hijo, finalmente fue enterrado en el lazareto de Villefranche, pero aquí no terminaría la peregrinación, ya que años después sería trasladado a otros cementerios, hasta alcanzar el de Parma, en donde reposa actualmente. El excentricismo de Paganini y su  “endiablada”  habilidad propiciaron que muriera sin fundar ninguna escuela musical.

 

http://www.youtube.com/watch?v=UHSwY5phKtE&feature=related

(Música de  Niccolo Paganini)

 http://www.youtube.com/watch?v=StNKf4QnPGo&feature=related 

(Milladoiro)

http://www.youtube.com/watch?v=pYOMi-2zLk8&NR=1 

(Fuxan os Ventos)

http://www.youtube.com/watch?v=t0WVQEQVA7o&feature=related

(A Roda)

http://www.youtube.com/watch?v=99_-j1XHo90&feature=related 

(Mago de Oz)

http://www.youtube.com/watch?v=sx0fE1Sj-lM   

(Fabricación – Violín eléctrico)

http://www.youtube.com/watch?v=d-xaCxwww5A 

(Luar Na Lubre  con violín eléctrico)

http://www.youtube.com/watch?v=mkDWaVvNJR0 

(Celtas Cortos con violín eléctrico)

http://www.youtube.com/watch?v=fes_AJxpCl4

 (Ginette Neveu con violín Stradivarius)

http://www.youtube.com/watch?v=7CACc2oIQyY&feature=related

(Edvin Marton con violín Stradivarius)

http://www.youtube.com/watch?v=dTODaVNhi2Y

(LO MEJOR DE LO MEJOR...  Música de Paganini interpretada con violín Stradivarius)

http://www.youtube.com/watch?v=oLWjvKvZYdg&feature=related

(Interpretando la misma música anterior pero con 11 años la chica... ¡¡ que maravilla !!)

http://www.youtube.com/watch?v=FrvK75jGdjE&feature=related

(Intérprete con tres años)

http://www.youtube.com/watch?v=t3bW9P5Z6sI 

(Intérprete con cuatros años)

http://www.portaldenoticias.com/videos/tocando-el-violn-como-dios-manda---increble

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SENÉN CAMPOS MACEIRAS

A ESTRADA - 20/12/2.008

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20/12/2008 19:46. Senén Campos Maceiras #. sin tema No hay comentarios. Comentar.